Le Top 10 des expos de la rentrée !

L’exposition « Parisiennes citoyennes ! » nous entraîne dans une ambitieuse traversée historique, de la Révolution française jusqu’à la loi sur la parité, sur les traces des luttes que les femmes ont menées à Paris pour leur émancipation.

Le musée Carnavalet présente une synthèse inédite sur l’histoire et la mémoire des luttes pour l’émancipation des femmes en se concentrant sur l’histoire des féminismes à Paris. Aux côtés de certaines figures incontournables, d’Olympe de Gouges à Gisèle Halimi, une large place est faite aux Parisiennes moins connues ou anonymes : citoyennes révolutionnaires de 1789, de 1830, de 1848, Communardes, suffragettes, pacifistes, résistantes, femmes politiques ou syndicalistes, militantes féministes, artistes et intellectuelles engagées, travailleuses en grève, collectifs de femmes immigrées…

Le parcours de l’exposition suit un fil chronologique qui commence avec la revendication du « droit de cité » pour les femmes, pendant la Révolution, et se clôt avec la loi sur la parité, en 2000. Entre ces deux dates se déploie une dynamique de l’émancipation des femmes explorée dans toutes ses dimensions : elle implique le droit à l’instruction comme celui de travailler, les droits civils et les droits civiques, si difficiles à obtenir, mais aussi la liberté de disposer de son corps et l’accès à la création artistique et culturelle.

Peintures, sculptures, photographies, films, archives, affiches, manuscrits, ou autres objets militants voire insolites, rendent compte de la diversité des combats et des modes de revendications. Les Parisiennes citoyennes ont mille et un visages au service d’innombrables causes, dans une capitale qui crée l’événement, fabrique des icônes et rend possible les avant-gardes et les combats collectifs.

Autour de l’exposition
Un ouvrage écrit par Christine Bard, avec des illustrations inédites de Lisa Mandel, comprenant 180 reproductions est publié aux Éditions Paris Musées.

À l’occasion de l’inauguration de son nouvel espace, la Fondation HCB présente une exposition inédite sur l’oeuvre d’Henri Cartier-Bresson (1908-2004) et de Martin Parr (né en 1952). Cette exposition réconcilie les deux photographes, qu’un « gouffre » sépare comme Martin Parr le qualifie lui-même, à travers leurs regards, à trois époques différentes, sur la société du Nord de l’Angleterre au travail comme lors de leurs loisirs.

En 1989, Martin Parr, photographe de renom et néanmoins controversé pour ses photographies en couleur de la « middle class » britannique sur les plages du Nord de l’Angleterre, soulève un tollé lorsqu’il tente d’intégrer l’agence coopérative Magnum Photos. Henri Cartier-Bresson, co-fondateur de l’agence, fulmine contre cette perspective. Une rencontre des deux artistes permet une réconciliation amicale et la coexistence de leurs conceptions de la photographie, appartenant à « deux systèmes solaires différents » d’après Cartier-Bresson. Martin Parr intègre finalement Magnum Photos en 1994.

Si les deux photographes affichent ouvertement leurs différends artistiques, une récente découverte les nuancent. En 2021, la Cinémathèque française exhume un film réalisé au banc-titre, avec les photographies d’Henri Cartier-Bresson, par Douglas Hickox en 1962 pour la télévision britannique ITV/ ABC. Dans Stop laughing – This is England (Cessez de rire, voici l’Angleterre), Cartier-Bresson y fait un portrait amusé des Anglais au travail et lors de leurs loisirs dans le Nord industriel du pays. Les photographies de Cartier-Bresson, commandées pour ce film, ainsi que les commentaires, résonnent de façon troublante, à 24 ans d’écart, avec le travail décrié de Martin Parr, publié dans l’ouvrage The Last Resort en 1986.

L’exposition Réconciliation présente ce film ainsi que les tirages originaux d’Henri Cartier-Bresson qui en sont la matière première ; l’ouvrage The Last Resort de Martin Parr et une commande plus récente (2009/2010), Black Country Stories, passée à ce dernier pour retourner sur ses propres traces dans le Nord de l’Angleterre photographier… les Anglais au travail et lors de leurs loisirs. Trois époques, deux regards pour décrire une même société et son évolution (1962, 1986, 2010). Comme l’a dit Henri Cartier-Bresson : « Il n’est pas plus exotique que l’Angleterre ».

À l’automne prochain, la Maison de l’Amérique latine invite le public à un voyage sensible en Amérique latine à travers le regard et les photo – graphies de Gisèle Freund. Sous l’intitulé « Ce Sud si lointain »*, l’exposition met en valeur un patrimoine photographique de 72 images – tirages posthumes – , pour certaines inédites, réparties entre portraits de personnalités culturelles (majoritaire – ment), puis paysages, scènes de villages et de marchés, réalisées principalement entre 1941 et 1952.

Ces images révèlent la place importante qu’a occupée l’Amérique latine dans la trajectoire de la photo – graphe germano-française, renommée pour ses portraits d’écrivains du XX e siècle devenus iconiques, caractérisés par un cadrage serré et l’usage de la couleur dès 1938. Elles mettent en lumière sa constante capacité à s’intéresser non seulement à l’expression corporelle d’une personne et à son vi – sage « je n’ai jamais cessé de vouloir comprendre ce qui se trouve derrière un visage », mais aussi à « l’être humain et ce qui l’entoure », à son environnement et à sa condition. C’est en 1941 que Gisèle Freund fuyant l’occupation nazie découvre pour la première fois l’Amérique latine en émigrant à Buenos Aires où elle est accueillie par une grande figure argentine des lettres, Victoria Ocampo. Depuis la capitale argentine, elle effectuera plusieurs voyages, en Uruguay, en Patagonie, au Chili, puis de façon intermittente jusqu’aux début des années 1950, elle se rendra en Equateur, au Mexique, en Bolivie, au Pérou, au Brésil. L’Argentine et le Mexique plus particulièrement, seront sources de vibrantes émotions esthétiques et humaines, et laisseront une empreinte profonde et durable dans sa vie. Elle réalisera de nombreux reportages pour Time Magazine et Life, pour les journaux argentins La Nación et El Hogar, ou encore mexicains comme Novedades. Elle fera partie de l’agence Magnum dès sa fondation en 1947 et jusqu’en 1954.

« Ce Sud si lointain » rassemble donc pour la première fois un corpus axé en majorité sur les quelques figures marquantes du monde culturel qu’elle rencontra en Amérique latine, – et, dans une moindre mesure, en France, dans une période plus proche de nous, – sur les paysages qu’elle y découvrit, et sur des scènes de la vie du monde rural, rarement montrées auparavant. L’exposition permettra d’ apprécier pleinement le triple profil de Gisèle Freund, à la fois photographe, sociologue et journaliste. Celle-ci confiera en 1991 : « J’ai pensé que la photographie était un moyen merveilleux pour que les peuples se connaissent entre eux…J’ai cru à cette utopie : la connaissance des autres, de leurs différences, comme langage de paix entre les hommes. Ma tâche était donc, pensais-je, de participer à la paix du monde à travers la photographie.»

À propos de Gisèle Freund
Née à Berlin, Gisèle Freund (1908-2000) est issue d’une famille aisée et cultivée. Dès son jeune âge elle voue sa vie à l’art, grâce à la collection de tableaux familiale et aux musées qu’elle ar – pente en compagnie de son père . Son baccalauréat obtenu, elle recevra des mains de ce dernier un nouvel appareil photo – un Leica de poche, qui peut prendre 36 poses de suite. Elle étudie la sociologie à Francfort puis à Fribourg avec Adorno, Karl Mannheim et Norbert Elias, et parallèlement pratique activement la photographie. En 1933, face à la montée du nazisme et craignant les persécutions, elle décide de quitter l’Allemagne pour s’installer définitivement à Paris. Lorsque la guerre éclate en 1940, elle se réfugie dans la France libre, à Saint-Sozy, petit village du Lot. Fin 1941, avec l’aide d’André Malraux et de la mécène argentine Victoria Ocampo, elle parvient à embarquer du port de Bilbao à bord d’un na- vire espagnol au nom prédestiné Cabo de Bue- na Esperanza. Destination Buenos Aires. Elle découvre les côtes du nouveau monde et la majestueuse géographie de tout un continent. Entre la baie châtoyante de Rio de Janeiro – objet de l’une de ses premières photos – et les villes modernistes et trépidantes du Rio de la Plata, la promesse de vastes horizons vont venir combler sa soif de liberté…

Photo : Marché d’Otavalo, Equateur, vers 1944. Gisèle Freund ©RMN – Grand Palais/ Gisèle Freund/IMEC. Service presse – Maison de l’Amérique latine

À travers près de 180 photographies — dont des ensembles jamais exposés — , l’exposition « Les Tribulations d’Erwin Blumenfeld, 1930-1950 » met en lumière sa période la plus féconde, tant du point de vue de ses expérimentations artistiques que de la révélation de son talent dans la photographie de mode qui l’amena à travailler pour les plus grands magazines américains. Elle offre également des éclairages sur sa vision de l’art et sur sa vie personnelle pendant l’Occupation.
Entre son installation à Paris en 1936, et les débuts de sa carrière américaine, après 1941, Erwin Blumenfeld (Berlin, 1897 — Rome, 1969) voit son destin, tant artistique que personnel, bouleversé. Sa plongée dans l’effervescence de la capitale et l’univers de la mode est brutalement interrompue par la défaite de 1940. Il connaît l’errance, l’internement comme « étranger indésirable » dans plusieurs camps français avant d’obtenir un visa pour les États-Unis. Embarqué sur le Mont Viso, il doit encore subir l’enfermement avec sa famille dans un camp français au Maroc. Blumenfeld traverse cette tourmente comme nombre d’artistes juifs, mais peut se réfugier in extremis aux États-Unis, où il renoue immédiatement avec l’industrie de la mode.

Photo : Erwin Blumenfeld, Double autoportrait à la Linhof, Paris, 1938 © Collection famille Blumenfeld

Pour la première fois, le Jeu de Paume et LE BAL présenteront une exposition thématique commune autour de l’utilisation des médias – photographie, film, vidéo – par les artistes italiens des années 1960 et du début des années 1970. Centrée autour du groupe de l’arte povera, elle s’ouvrira à divers compagnons de route du mouvement et au-delà, pour étudier la position des avant-gardes italiennes face à la photographie et à l’image en mouvement.

Cette exposition donnera à voir l’extraordinaire richesse d’une période où les artistes italiens se sont appropriés le pouvoir narratif de la photographie, de la vidéo et du film. Des tableaux miroirs de Michelangelo Pistoletto aux grandes photographies sur toile de Giulio Paolini ou de Giovanni Anselmo, des oeuvres sur photocopie d’Alighiero Boetti aux photomatons de Franco Vaccari ou aux vidéos de performance réalisées par Luciano Giaccari, elle dressera un panorama des expérimentations visuelles des avant-gardes italiennes de la période dans le domaine de l’image. Contemporaines des travaux de la scène conceptuelle internationale, ces recherches sont, dans le même temps, profondément ancrées dans une culture et une histoire italiennes : en cela, elles aboutissent à la création de quelques-unes des oeuvres les plus fécondes et les plus originales de la période, décloisonnant les genres et les disciplines.

L’exposition déploiera une réflexion articulée en quatre sections thématiques réparties sur les deux lieux : CORPS (LE BAL), EXPÉRIENCE, IMAGE, THÉÂTRE (Jeu de Paume).

La section autour du CORPS présentera la façon dont, à la suite de Piero Manzoni, le corps, photographié ou filmé, devient un des matériaux privilégiés des artistes de la période – et plus singulièrement le propre corps de l’artiste. Remettant la figure de l’artiste au coeur de la pratique artistique, ces travaux renouvellent indirectement le genre de l’autoportrait tout en interrogeant, paradoxalement, la notion même d’identité, voire en remettant en cause le rôle de l’auteur.

La section EXPÉRIENCE abordera la manière dont photographie et film sont utilisés comme des instruments d’investigation du temps, de la durée et de l’espace. Quittant leurs ateliers, nombre de ces artistes manifestent une même volonté d’enregistrer une action et de nouer un lien au monde et à la nature plus direct, à la fois exploratoire et expérimental.
La troisième section autour de l’IMAGE traitera de l’utilisation de la photographie et de l’image en mouvement dans une dimension critique : réflexion sur le monde des médias, déconstruction des pratiques artistiques traditionnelles, remise en cause de l’objectivité de la photographie.

Enfin, la section THÉÂTRE traitera de mise en scène : celle de l’art et de l’artiste qui anime les vues et films d’exposition de la période, comme celle, inhérente à la pratique du tableau vivant, qui parcourt nombre de travaux photographiques à partir du début des années 1970.

Au total, plus de 250 oeuvres de 45 artistes seront réparties dans les deux lieux.

L’exposition donnera également lieu à l’édition d’un catalogue, coédité par le Jeu de Paume, LE BAL et l’Atelier EXB, reproduisant une grande partie des oeuvres exposées et proposant plusieurs études d’historiens de l’art ainsi qu’une chronologie développée.

Commissaires :
Quentin Bajac, directeur du Jeu de Paume, Diane Dufour, directrice du BAL,
Giuliano Sergio, commissaire indépendant
Commissaire associée :
Lorenza Bravetta, conservateur photographie, cinéma et new media Triennale Milano

Photo : Giuseppe Penone
Rovesciare i propri occhi – progetto, 1970
Collage de photographies noir et blanc, aux sels d’argent teintés au sélénium sur papier baryté
Collection privée, Turin
© Archivio Penone / Adagp, Paris, 2022

Pour la première fois, le Jeu de Paume et LE BAL présenteront une exposition thématique commune autour de l’utilisation des médias – photographie, film, vidéo – par les artistes italiens des années 1960 et du début des années 1970. Centrée autour du groupe de l’arte povera, elle s’ouvrira à divers compagnons de route du mouvement et au-delà, pour étudier la position des avant-gardes italiennes face à la photographie et à l’image en mouvement.

Cette exposition donnera à voir l’extraordinaire richesse d’une période où les artistes italiens se sont appropriés le pouvoir narratif de la photographie, de la vidéo et du film. Des tableaux miroirs de Michelangelo Pistoletto aux grandes photographies sur toile de Giulio Paolini ou de Giovanni Anselmo, des oeuvres sur photocopie d’Alighiero Boetti aux photomatons de Franco Vaccari ou aux vidéos de performance réalisées par Luciano Giaccari, elle dressera un panorama des expérimentations visuelles des avant-gardes italiennes de la période dans le domaine de l’image. Contemporaines des travaux de la scène conceptuelle internationale, ces recherches sont, dans le même temps, profondément ancrées dans une culture et une histoire italiennes : en cela, elles aboutissent à la création de quelques-unes des oeuvres les plus fécondes et les plus originales de la période, décloisonnant les genres et les disciplines.

L’exposition déploiera une réflexion articulée en quatre sections thématiques réparties sur les deux lieux : CORPS (LE BAL), EXPÉRIENCE, IMAGE, THÉÂTRE (Jeu de Paume).

La section autour du CORPS présentera la façon dont, à la suite de Piero Manzoni, le corps, photographié ou filmé, devient un des matériaux privilégiés des artistes de la période – et plus singulièrement le propre corps de l’artiste. Remettant la figure de l’artiste au coeur de la pratique artistique, ces travaux renouvellent indirectement le genre de l’autoportrait tout en interrogeant, paradoxalement, la notion même d’identité, voire en remettant en cause le rôle de l’auteur.

La section EXPÉRIENCE abordera la manière dont photographie et film sont utilisés comme des instruments d’investigation du temps, de la durée et de l’espace. Quittant leurs ateliers, nombre de ces artistes manifestent une même volonté d’enregistrer une action et de nouer un lien au monde et à la nature plus direct, à la fois exploratoire et expérimental.
La troisième section autour de l’IMAGE traitera de l’utilisation de la photographie et de l’image en mouvement dans une dimension critique : réflexion sur le monde des médias, déconstruction des pratiques artistiques traditionnelles, remise en cause de l’objectivité de la photographie.

Enfin, la section THÉÂTRE traitera de mise en scène : celle de l’art et de l’artiste qui anime les vues et films d’exposition de la période, comme celle, inhérente à la pratique du tableau vivant, qui parcourt nombre de travaux photographiques à partir du début des années 1970.

Au total, plus de 250 oeuvres de 45 artistes seront réparties dans les deux lieux.

L’exposition donnera également lieu à l’édition d’un catalogue, coédité par le Jeu de Paume, LE BAL et l’Atelier EXB, reproduisant une grande partie des oeuvres exposées et proposant plusieurs études d’historiens de l’art ainsi qu’une chronologie développée.

Commissaires :
Quentin Bajac, directeur du Jeu de Paume, Diane Dufour, directrice du BAL,
Giuliano Sergio, commissaire indépendant
Commissaire associée :
Lorenza Bravetta, conservateur photographie, cinéma et new media Triennale Milano

Photo : Gino De Dominicis
Tentativo di far formare dei quadrati invece che dei cerchi attorno ad un sasso che cade nell’acqua, 1969
Courtesy Lia Rumma
© Gino De Dominicis / Adagp, Paris, 2022