Jehan de Bujadoux, nouveau directeur de la Galerie Esther Woerdehoff – Paris

Tout part de la montagne et du chemin à prendre pour la photographier. Mais si Iris Hutegger et Xavier Dauny choisissent les procédés traditionnels de la photographie argentique pour créer leurs oeuvres en noir et blanc, ils les métamorphosent par la broderie ou la prise de vue et le tirage et inventent ainsi une autre vision du paysage, poétique et sensible, nourrie par leurs réflexions et leur imaginaire. Ces deux artistes se retrouvent dans la très grande rigueur que leur imposent leur protocole créatif et le temps qu’ils consacrent au travail de prise de vue, de tirage ou de transformation de l’image photographique. Par leurs approches, Iris Hutegger et Xavier Dauny nous invitent à questionner notre perception du paysage, l’empreinte de l’humain sur la nature et la question du temps, désormais temps de l’urgence environnementale face à l’éternité des montagnes.
De loin, les oeuvres encadrés d’Iris Hutegger paraissent des dessins colorés.
Mais en s’approchant, le spectateur perçoit le grain de la photographie et comprend que la couleur vient des fils qui brodent l’image. De ces pièces uniques, de formats variés, sans autre titre qu’un numéro, on ne saura rien des lieux photographiés, sinon qu’il ne s’agit que de paysages, de roche et de végétation, sans présence humaine ou animale, et hors des saisons. L’artiste les photographie d’abord lors de randonnées, dans les Alpes ou lors d’un voyage en Islande. Prises sur un film négatif couleur mais tirées en noir et blanc, ces montagnes prennent un grain prononcé et un aspect lunaire. Ce choix technique amène le paysage familier vers l’abstraction, pour n’en garder que la structure et la texture. Puis, Iris Hutegger prend chaque photographie, tirée sur un papier épais, et la passe sous le pied de sa machine à coudre. Par un travail lent et minutieux, elle brode l’image, retrouvant la couleur. Lave, prairie, cascade, coulures abstraites, cette végétation rêvée ignore la botanique, et les fils s’entremêlent dans une résille de couleurs inventées qui tranchent sur les gris et s’ancrent dans la matière du tirage au point où, dans les zones les plus denses de la broderie, le papier disparait sous la piqure de l’aiguille.
Iris Hutegger revendique le temps nécessaire à l’achèvement de chaque pièce, dans un travail entrecoupé de pauses, après la marche et la prise de vue, après le tirage, lors de la broderie. Ces interruptions lui permettent de se détacher de la mémoire du lieu, donc de sa réalité, pour fabriquer ce qu’elle décrit comme une « véritable image fictive ».

« Mes photos sont réalisées dans des lieux ordinaires, des endroits banals, là où la vie charrie son train-train. J’ai toujours considéré les rues de New York comme autant de scènes et ses habitants comme autant d’acteurs qui interprètent leur propre pièce, leur histoire, leurs vies ».
Chervine

Photographier New York est devenu un cas d’école. Conscient de cet héritage, le photographe franco-iranien Chervine (né en Iran en 1972) parvient pourtant à nous surprendre en montrant la ville sous un jour nouveau.
Ingénieur de formation, il est un photographe autodidacte.
Le regard que pose Chervine sur New York est celui d’un bâtisseur de lumière.
Guidées par le course du soleil, les scènes urbaines qu’il nous montre portent en elles une réflexion sur le temps. Ce sont les surgissements gracieux d’instants enfuis, où des passants sont saisis au détour d’un boulevard, à la terrasse d’un café ou au milieu d’une rue, toujours baignés d’une lumière enveloppante et radieuse.
La ville est dans l’attente, en retrait, laissant ses habitants surgir timidement de l’opacité urbaine. Les individus, seuls ou en groupe, n’y apparaissent que par bribes, comme des jaillissements lumineux. Plongées dans l’obscurité, les imposantes façades urbaines prennent ainsi la place subsidiaire du décor de théâtre qui attend que le projecteur se braque sur lui.
L’oeuvre de Chervine est une histoire d’ombres qui s’écrit sous le signe du clair-obscur. Avec son Leica, l’artiste photographie la ville au lever du jour et au coucher du soleil, aux moments de la journée où la clarté se fait vacillante.
Les personnages de ses photographies habitent l’obscurité avec une grâce toute fragile, signalant leur discrète présence par touches lumineuses. Nous entrons ainsi dans le paysage urbain à travers la carrosserie d’une camionnette, le flamboyant chapeau rouge d’une femme, la façade immaculée de l’Empire State Building ou l’enseigne lumineuse d’un café.
L’univers cinématographique est une constante dans l’oeuvre de Chervine, donnant à l’espace urbain les allures d’un plateau de tournage dans lequel l’artiste se laisserait porter au gré des déambulations géographiques des individus qu’il croise sur son chemin. Ces derniers semblent tout droit sortis d’un film noir, à la fois hors du temps et étrangers au monde qui les entoure.
Mais que recherche vraiment l’artiste ?
Si l’on est absorbé par ces photographies où l’on se plaît à imaginer l’histoire de chacun de ces anonymes et ce que serait un voyage dans leur journée, Chervine fait pourtant planer le doute, ne dévoilant rien du monde qui les habite. Il laisse aller les chemins sinueux de notre imaginaire : « J’ai un rapport très distant avec mes personnages. Je ne m’en approche jamais. Je tente de les insérer dans ma composition comme un élément parmi d’autres. », explique-t-il.