Julie Jones, nouvelle directrice de la MEP est notre invitée

Photo 1 : Irving Penn, Man Lighting Girl’s Cigarette (Jean Patchett), New York, 1949 Collection MEP, Paris. Acquis en 1992. © The Irving Penn Foundation
Photo 2 : Irving Penn, Young Woman with Headdress, New York, 2005 Collection The Irving Penn Foundation, New York © The Irving Penn Foundation
Photo 3 : Irving Penn, Balenciaga Mantle Coat (Lisa Fonssagrives-Penn), Paris, 1950 Collection MEP, Paris. Acquis en 1992. © Condé Nast
Photo 4 : Irving Penn, Issey Miyake Fashion: Face Covered with Hair, New York, 1991 Collection The Irving Penn Foundation, New York © The Irving Penn Foundation

Du 30 septembre 2026 au 17 janvier 2027, la MEP présente l’exposition PENN & FASHION. Elle rend hommage à Irving Penn, l’un des photographes les plus influents du XXème siècle. Auteur d’une oeuvre toujours en avance sur son temps, Irving Penn (1917, Plainfield – 2009, New York) a profondément marqué l’histoire de la photographie de mode grâce à sa collaboration de plus de soixante ans avec le magazine Vogue. Son esthétique épurée, comme son exceptionnelle maîtrise de la composition, ont influencé des générations de photographes.

L’exposition se déploie selon un parcours chronologique, suivant la carrière d’Irving Penn de 1947 à 2008. Elle débute dans les années 1950, avec la présentation de ses photographies légendaires des collections parisiennes de haute couture comme Dior et Balenciaga, magnifiées par les plus grands mannequins de l’époque tels que Lisa Fonssagrives et Jean Patchett. Dans les années 1970, les créations d’Ungaro et de Courrèges et les tenues extravagantes portées par Marisa Berenson ou Lauren Hutton retiennent l’attention du photographe, puis, la décennie suivante, les créations d’Yves Saint Laurent et Karl Lagerfeld.

L’exposition présente également la collaboration inédite d’Irving Penn avec le créateur japonais Issey Miyake, dont les vêtements sculpturaux dialoguent parfaitement avec son style photographique épuré.

Au cours de ses trois dernières décennies de création, Penn conserve une ligne constante : l’accent mis sur les silhouettes, les volumes et les textures. Il photographie en couleur les somptueuses robes élaborées par John Galliano ou les modèles opulents de Christian Lacroix ainsi que les spectaculaires coiffes de plumes de Chanel, dans des images à couper le souffle.

Enfin, ses images saisissantes pour les pages beauté du magazine Vogue dans les années 1990 et 2000 témoignent de la créativité et de la modernité d’un artiste dont une partie de l’oeuvre est encore à découvrir.

Toujours fidèle à une vision artistique exigeante, quel que soit le contexte de la commande, Penn a contribué à rapprocher l’art, la mode et le commerce avec une maîtrise inédite. Son travail est caractérisé par une esthétique d’une élégante simplicité. Chaque image est le résultat d’un long processus de réflexion pour aboutir à des compositions intemporelles transposées dans des techniques de tirages sophistiquées, souvent devenues des icônes de l’histoire de la photographie.

L’exposition est majoritairement conçue à partir de collection de la MEP et de celle de Nicola Erni. Réunie au cours des vingt-cinq dernières années, celle-ci est aujourd’hui l’un des ensembles les plus vastes et remarquables consacré à la photographie de mode, couvrant la période des années 1930 à nos jours. L’exposition bénéficie également de nombreux prêts exceptionnels de The Irving Penn Foundation et de The Miyake Issey Foundation.

Du 30 septembre au 29 novembre 2026, la MEP accueille pays des merveilles, la première exposition monographique muséale de Nanténé Traoré. À travers une iconographie vivante de l’intime, son travail propose une méditation sur la mémoire, l’attachement et la disparition.

Le retour de Nanténé Traoré sur la côte bretonne, qu’il fréquentait enfant avec sa mère, fait ressurgir des souvenirs traumatiques et marque le début d’une période de profonde dépression et de dissociation. Réalisées à partir de pellicules périmées datant des années 1990, les images traduisent cet état de trouble où la réalité semble se dérober. Les altérations chimiques du film modifient les couleurs, brouillent les contours et produisent des visions instables, presque fantomatiques. Dans ce paysage habité par les souvenirs, les promenades deviennent une manière de déplacer son attention vers le monde qui l’entoure et ce qui le constitue : les rivages, les oiseaux, les chiens errants ou encore les silhouettes familières endormies. Son regard se pose sur la beauté fragile des êtres et des lieux promis à l’effacement. Traversées de lumières vaporeuses, bleues ou orangées, les images brouillent les frontières entre les formes : les corps deviennent les paysages, et les paysages deviennent le reflet d’états intérieurs. Le film prolonge cette expérience de dissolution : un plan fixe sur un paysage est accompagné par la voix intérieure de l’artiste, qui nous guide au coeur de cette dérive sensible et mémorielle. L’exposition réunit un nouveau projet photographique argentique, réalisé en Bretagne à l’été 2025, ainsi qu’un film tourné lors d’une résidence en Albanie durant l’été 2026.

Nanténé Traoré (1993, Paris) est un artiste et auteur qui vit et travaille entre Bruxelles et Paris. Il est représenté par la Galerie Sultana (Paris). Son travail photographique a été présenté dans plusieurs expositions personnelles et collectives, notamment lors du Prix Découvertes aux Rencontres de la photographie d’Arles (2024), à Air de Paris à Romainville (2024), au Lieu Unique avec le FRAC Pays de Loire à Nantes (2024), ainsi qu’aux Magasins Généraux à Pantin (2022). L’oeuvre de Nanténé Traoré a été récompensé par plusieurs prix, dont le Prix Utopie et a été shortlisté pour le Prix Reiffers Initiatives, à Paris (2025) et le Prix Découverte des Rencontres d’Arles et le Prix Mentor. Ses oeuvres font partie des collections du CNAP.

La MEP présente la première exposition personnelle en France de l’artiste américain David Gilbert, réunissant une sélection d’oeuvres réalisées au cours des quinze dernières années. À la croisée de la photographie, de la sculpture, du dessin, de la peinture et de l’installation, son oeuvre explore les possibilités narratives et poétiques de la mise en scène.

Dans son atelier, Gilbert compose et photograhie des assemblages à partir de matériaux modestes et éphémères — découpes de papier, tissus drapés, ficelles ou objets trouvés — qu’il transforme en sculptures anti-monumentales et en constructions aériennes d’une grande précision. Relevant d’une logique presque enfantine du faire et du jeu, ces formes fragiles semblent tenir dans un équilibre précaire. Ses photographies révèlent l’intimité de l’atelier, où la lumière naturelle sublime les matériaux et métamorphose chaque composition en une scène enchantée, semblable à un jardin secret. L’exposition rassemble des oeuvres aux atmosphères crépusculaires : châteaux de papier, rideaux translucides, structures instables ou dessins érotiques, baignés par les dernières lueurs du jour filtrant à travers les fenêtres. Entre maquette, nature morte et théâtre miniature déserté de ses acteur·ices, ces assemblages apparaissent dans un état de suspension, où la construction porte déjà les signes de sa disparition. Pour David Gilbert, la photographie devient ainsi le lieu où ces formes délicates, vouées à l’effacement, continuent d’exister.

David Gilbert (1982, New York) vit et travaille à Los Angeles. Il a obtenu son BFA à la Tisch School of the Arts de l’Université de New York en 2004, puis son MFA à l’Université de Californie à Riverside en 2011. Il a présenté des expositions personnelles au Southeastern Center for Contemporary Art à Winston-Salem (2024) ; Rebecca Camacho Presents à San Francisco (2024) ; Chris Sharp Gallery à Los Angeles (2022) ; Klaus von Nichtssagend Gallery à New York (2018) ; et The Finley à Los Angeles (2017) ; entre autres. Ses oeuvres font partie des collections de Los Angeles County Museum of Art et de la Cleveland Clinic.